Nadav Kander en el CAF

Por: Antonia Bocero (La Voz de Almería, 17-2-2011)

Imagen: Nadav Kander

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Desde que, en 1999, el fotógrafo sudafricano Nadav Kander fuera galardonado con el prestigioso premio Prix Pictet, el reconocimiento a su obra viene siendo unánime dentro de los foros más prestigiosos del arte, estando hoy considerado uno de los creativos más interesantes de la fotografía actual. El citado premio le fue concedido por documentar, en unas imágenes espléndidas, el dramático cambio sufrido en el paisaje de las comunidades chinas asentadas a lo largo del río Yangtse, lo que ya nos habla de un autor que tiene la sensibilidad de utilizar su cámara para denunciar los desmanes a los que está sometido el planeta.
Por otro lado, si hacemos un recorrido por su trayectoria artística, vemos que estructura sus historias en base a una fotografía eminentemente creativa, trasgresora, y que en ocasiones cuestiona el propio arte. A su vez, le gusta reflejar en un mismo espacio-tiempo mundos opuestos, y trabaja para el logro de unas imágenes de belleza estremecedora, como sucede en la serie del río Yangtse; así como en los desnudos que ahora presenta en el CAF.
Este nuevo trabajo, conformado por trece imágenes, supone para el autor un proyecto del que aún -según comenta- no puede dar muchas claves, pues se halla en fase de crecimiento. Sí nos parece que constituye otra manera de explorar el cuerpo humano a través de luz marmórea. Es como un sueño de lo irreal. Las figuras están ubicadas en un escenario indefinido y dramático, por la soledad que emana de los retratados. Belleza, sensualidad y el logro del ambiente, son cuestiones a destacar en estas composiciones, en las que sus protagonistas viven en sí mismos. Y nos parece ver en esta serie que Nadav admira al Rodin de su periodo más idealista, al Caravaggio que ubica a sus personajes en espacios cerrados y quiere romper con la estética dominante, y a otros grandes de la Historia del Arte.
Una propuesta muy distinta a la anterior es el trabajo “Obama´s People”, que fue un encargo que The New York Times hace a Nadav con el propósito de presentar a los miembros del gabinete Obama recién llegado a la Casa Blanca. Aquí los protagonistas van vestido de arriba abajo y con la ropa que habitualmente utilizan y que más revela su personalidad. Para acentuar este propósito, varios son retratados con alguna de sus pertenencias más queridas, como es el caso del Secretario de Interior, Ken Salazar, quien se cubre la cabeza con un sombrero -ya que no suele dejarse ver sin el sombrero y las botas características del buen vaquero. Los protagonistas están retratados sobre un fondo indefinido, en tono claro, y posan con naturalidad. Dan la impresión de que pasaban por allí y alguien les pide que se detengan un momento para hacerles una foto. Y de hecho, como relata Nadav, realizar la magnífica toma del presidente Obama no le llevó más de veinte minutos. Algo parecido sucede con la Secretaria de Estado Hillary Clinton, una mujer fuerte, que tras toda una vida en política, supo mantener una magnifica sonrisa ante la cámara.
Finalmente señalar que a estas dos exposiciones acompañan retratos de la serie, “Other Portraits” que recoge fotografías de diferentes artistas -actores, directores, músicos-, entre los que destacan los dedicados a Benicio del Toro, Giorgio Armani, Christopher Lee o Brad Pitt.

Lo más pop de la Colección Unicaja

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Por: Antonia Bocero (La Voz de Almería, 14-11-2010)

Fotografía: Carlos Aires, de la Serie "Y fueron felices"

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Tras la exposición “Color del sur”, de Carlos Pérez Siquier, Unicaja presenta en sus dos Salas del Paseo “Lo más pop de la Colección Unicaja”, una muestra que contiene algunas de las obras más significativas que la entidad posee de Arte moderno. Integran la colección -y hasta un total de veinte artistas- firmas como las de Gordillo, Picasso, Nuria Fuster, Judas Arrieta, John Baldessari o Rosalía Banet. La mayoría de las piezas se hallan dentro del Pop Art, uno de los movimientos artísticos más importantes del S. XX, caracterizado por el empleo de imágenes tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, el cómic y otros objetos de la cultura popular.
Si hacemos historia, cuando aparece este movimiento pudo pensarse que el arte dejaba de ser elitista y pasaba a expresarse en un lenguaje asequible a todos, pues se presentaba como un arte lleno de color y aparentemente fácil y divertido, llegándosele incluso a denominar “antiarte”. Sin embargo, como toda manifestación artística, esta también requerirá tener el ánimo dispuesto a realizar un esfuerzo intelectual, ya que la ironía, la ambigüedad y la denuncia de asuntos de carácter social o político son parte de la obra; como también lo es la frecuente utilización de fragmentos de cuadros pertenecientes al pasado, lo que demanda, para su compresión, un espectador con un cierto conocimiento de la historia del arte. Los dos grandes nombres del pop art son los americanos Roy Lichtenstein y Andy Warhol, y en España debemos su difusión al Equipo Crónica (o Crónicas de la Realidad), que lo cultiva desde los años sesenta, con una puesta escena impactante, y una clara intencionalidad política.
Resumiremos el altísimo nivel de esta exposición en cuatro de sus participantes. En primer lugar citamos a Luis Gordillo, que con 12 piezas de la serie “Archipiélago”, completa la Sala del nº 69 del Paseo. En esta propuesta Gordillo ha pretendido hacer convivir distintos elementos (figuras geométricas, líneas, planos) en un mismo espacio pictórico; un caos no fácil de resolver -por la acumulación de signos, incluso surrealistas-, para el que ha tenido que utilizar hasta 20 pantallas. El maestro en la multiplicación de la imagen nuevamente nos adentra en un mundo complicado, pero sin duda también mágico. Interesante me ha parecido el bodegón de Eugenio Chicano, que reúne en su acrílico asuntos de dos obras del pasado, con la informática, elementos tan dispares que la tensión en la estructura del cuadro está dada. Para el fondo utiliza ‘La Californie’, un cuadro de la villa de Picasso en Cannes y que éste llevó al lienzo en numerosas ocasiones; el foco central lo ocupan diversos elementos del “Il pitochetto”, cuadro de Giacomo Ceruti, autor de escenas de género de una gran sensibilidad descriptiva.
Uno de los platos fuertes de la exposición es la firma de John Baldessari, de quien vemos una pieza de la serie ‘Noses & Ears’, un trabajo centrado en estos dos elementos -no tan retratados por los pintores- y ocultando de sus personajes ojos, manos, labios, tan presentes en la historia del arte: a Baldessari no le interesa el arte aburrido, y a sus 80 años aún logra aportar ideas nuevas. De realidades, quizá perturbadoras, nos habla Carlos Aires en sus fotografías. Con una estética velazqueña retrata, para la serie “Y fueron felices”, a enanos, vedettes, transexuales, monjas…, de tal forma que para algunos presentan un cierto aire de provocación. ¿Pero qué es si no el Arte?

Tres fotógrafos en CAF

Por: Antonia Bocero (La Voz de Almería, 2-11-2010)

Actualmente el CAF acoge dos exposiciones de interés como son la denominada “Espacios abandonados”, de la fotógrafa-periodista libanesa Dalía Khamissy, y la de los fotógrafos españoles Cristóbal Hara y Rafael Sanz Lobato, de quienes vemos “Trabajo de campo”, una selección de diferentes series. Los tres autores difieren en sus planteamientos estilísticos, si bien les une el deseo de plasmar la realidad social de su tiempo. Las dieciséis fotografías que de Khamissy presenta la Sala I son el resultado del asedio israelí en el Líbano durante el verano de 2006, en las que una vez más comprobamos que no es posible acostumbrase -por más que nos lleguen todos los días imágenes de esta o aquella guerra- a ver su poder de destrucción.
Los bombardeos se prolongaron durante 34 días, y arrasaron cuatro ciudades históricas en el sur del Líbano; asombra, y lo plasma la fotografía “Casa destruida”, el particular asedio que sufrió la ciudad de Bint Yabil, al sur del Líbano, que se resistió hasta ser apodada por los israelíes como ‘Ciudad Maldita’. Lo que retrata la fotógrafa es lo que quedó en pie tras los bombardeos, que no es sino la desolación: viviendas, escuelas, mezquitas, muebles y recuerdos se esparcen por doquier. Lo que era bello y se había logrado a fuerza de sacrificios, está fatalmente destrozado. Lo que era vida es ahora caos y abandono. La ropa permanece esparcida por el suelo, de tal manera que nos lleva a afirmar, una vez más, que una imagen dice más que mil palabras. Con todo, y porque el arte lo permite, la belleza no está excluida de este gran trabajo de sol y luz quemada, también ya por el transcurrir de los días.
Anoto aquí que son muy útiles los comentarios de la fotógrafa que acompañan a las fotografías, y que dejar documento de estos hechos se impone, porque es obligado trabajar desde todos los ámbitos posibles porque sea la palabra quien una a los diferentes y no la fuerza de las armas -que nunca lo logra-.
La Sala II nos acerca al universo creativo de dos autores españoles, el sevillano Rafael Sanz Lobato y el madrileño Cristóbal Hara, dos fotógrafos que han creado escuela y que pudiendo estar en primera línea de los flashes han optado por la discreción y dedicar todo su tiempo a lo que saben hacer. Ambos poseen un estilo propio, y como se comprueba en esta esplendida exposición, dan sobrada medida de su gran talento: Cristóbal Hara posee el arte de hablar de todo (de toda España) al tiempo que de sí mismo, y Lobato, fotógrafo de vocación documentalista y Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes, es uno de los autores que ha trabajado porque la fotografía de publicidad sea un genero fotográfico, además de ser un maestro en el dominio de la luz.
Estos “Trabajos de campo” tienen el deseo de mostrarnos, en unos escenarios muy parecidos, dos maneras de mirar la vida (las costumbres, la naturaleza). La exposición tiene muchas aristas; de ella se puede hablar desde puntos de vista muy diferentes, pero tal y como se halla montada, me quedo con la idea de haber visto un trabajo poético acerca de la soledad. Esos escenarios yermos; de caminantes sin rostros o que miran de soslayo, que van a los toros o entierran a sus muertos, dan escalofrío. Como las escenas de los días más transcendentales de la Semana Santa, o la joven toda vestida de negro como su madre y su abuela, que la siguen... La vida y la muerte dan cuerpo a estas fotografías; muchas de ellas pertenecientes a 1970, que son las que más me han impresionado.

El Grupo de los 80, en la Escuela de Arte de Almería

Por: Antonia Bocero (La Voz de Almería, 24-6-2010)


Comisariada por Martín Pastor y Juan Morante, y con el apoyo de la Junta de Andalucía y la Fundación Unicaja, se desarrolla en la Escuela de Arte la exposición “El grupo de los ochenta”; conformado, hasta un total de 24 artistas, por Antonio Acosta, Pepe Bernal, Toña Gómez, Nané o Lola Valls. La muestra, a través de unas fechas y temáticas diferenciadas, propone un recorrido por la evolución artística de sus componentes: excepto en el caso de Antonio Acosta (fallecido hace unos meses), con dos obras fechadas en el mismo año, y a quien se dedica la exposición.

Uno de los propósitos de los comisarios es señalar que en los años 80 se dio en Almería un movimiento de vanguardia que claramente buscaba diferenciarse de la temática que en aquellos años dominaba el arte almeriense, que consistía, preferentemente, en retratar barrios como La Chanca, “mostrándola como un decorado”. No era éste el caso de Carmen Pinteño, quien jamás pintó una Chanca. A su vez, esta diferenciación -que era lógica- no quiere decir que estuvieran en contra del proyecto inicial del Grupo Indaliano, quienes apostaron por una estética no al uso -y menos en Almería-, y en el caso de Perceval jugándosela con su “Degollación de los inocentes” (año 49). También hoy vemos que los indalianos se atrevieron a denominar a una de sus primeras manifestaciones artísticas “Exposición de la Vanguardia indaliana” (año 46), una palabra que por aquel entonces era, si no incendiaria, sí atrevida, y utilizarla tenía su mérito.
Tema éste que dejamos aquí para volver a los años 80, cuando un grupo de licenciados y licenciadas en Bellas Artes hacen su aparición en el arte almeriense, con nuevas propuestas, dando un vuelco al panorama estético provincial; y así fue hasta el punto de que cuando don Bartolomé Marín le hace una caricatura a Gines Cervantes, aquél dibuja el indalo hacia abajo, dando a entender, obviamente, que se estaba ante otra historia del arte en Almería. Las diferentes tendencias en las que se expresaban estos nuevos artistas iban del Pop-Art de Cayetano Crespo, al expresionismo abstracto americano de Ginés y Bernal, sin dejar aún de lado los perfiles figurativos. Nané, tanto en pintura como escultura, era quizás quien se expresaba dentro del arte más actual de aquel momento. Menos fríos, junto a Bernal y Ginés, se mostraban los pintores huercalenses, Jesús de Haro (de quien no vemos ninguna obra) o Miguel Parra Uribe.

Rafael Gadea, con una estilística sencilla, siempre ha ofrecido una obra llena de talento. Peropadre practica preferentemente el expresionismo; las pinturas de Javier Huecas eran y son excelentes. Martín Pastor es el artista de las ininterrumpidas búsquedas. La obra de Barrionuevo presentaba rasgos surrealistas y ciertos contactos con el cómic. Lola Valls se interesaba y se interesa por la geometría y los colores intensos. Paco Egea, Bendicho, Bonillo, Antonio Egea y Toña Gómez, realizan una obra entre el diseño y la plástica. En cuanto a Paco Cañizares, haciendo una pintura excelente, con el paso del tiempo se centró en el mundo de la moda, y hoy se le conoce como artista multidisciplinar. También esperan al visitante las obras de Guadalupe Bascuñana, Carmen Guardia, Carmen Sicre, Carlos Villalobos, Javier Cortés (no se pierdan su “Pre-texto bajo el cristal”), o Antonio Jesús García, con una extraordinaria fotografía en caja de luz y una tinta sobre papel. Cerramos con las obras de Juan Morante, que como es habitual en él, destacan por una factura y composición excelentes.

Campos Paradójicos, Antonio de Diego Arias, en MECA

Por: Antonia Bocero (La Voz de Almería, 7-5-2010)

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Con este título Antonio de Diego presenta en MECA una exposición de escultura y dibujo de carácter conceptual, en la que a través de símbolos diversos plantea un discurso de encuentros con la poética, la naturaleza y el hombre, que tiene como telón de fondo sus propios valores acerca del mundo. La ocasión nos permite señalar aquí algunos datos de la trayectoria de este artista madrileño que desde hace más de una década reside en el pueblo de Alhama de Almería:
De Diego es licenciado en Bellas Artes y tiene en su haber un interesante recorrido de exposiciones tanto en pintura como en escultura. Su primera individual de pintura en Almería fue la denominada “Márgenes”, presentada en MECA en 2007, y cuya propuesta giraba en torno a la incomunicación en su sentido más amplio. Otras individuales tuvieron lugar en la Galería “Arteara” (Madrid), “La Ventana” (Valencia) o “Carles Poy” (Barcelona). En cuanto a las colectivas ha expuesto, entre otros lugares, en la Sala “Julio González” (Madrid, 2001) y en la “ALBIAC 2006” (Almería).
Ahora, con un conjunto de 20 piezas realizadas con madera, cristal, algodón, polvo de hierro y otros materiales, de Diego se nos ratifica como un buen representante del arte moderno, en el sentido de medir muy bien hasta dónde muestra al espectador la parte de secreto o enigma que todo acto creativo lleva implícito. Es una obra de mensaje cuya estética guarda relación entre el fondo y la forma. Uno de los atractivos de la colección está en el diálogo que un artista de hoy mantiene con una serie de símbolos tan ancestrales como la espiral, la huella o el nudo. Seducido por ellos, logra transformar en material artístico aquello que se nos niega (la naturaleza, la espiritualidad, la libertad, la fe…), dando valor y sentido al arriesgado oficio de dedicarse al arte.
Siendo una propuesta que busca equilibrio entre lo que el artista pretende, y lo que percibimos, crea puntos de tensión en su puesta en escena -como el acto de hacer dialogar la obra “Espiral Imposible” con “Abecedario con n y ñ”-, que nos hablaría de comunicación, pero no sé si para expresar verdades o como un juego de máscaras que desconciertan al espectador: quizá nos diga que la línea recta -el equilibrio- no es fácil de hallar. Antonio, a la vez que nos da claves, nos despista; lo que nos lleva a más preguntas. Pero es lo que sucede en el campo de la paradoja, que “si se dice la verdad, se está seguro, tarde o temprano, de estar confundido”. Como espectador me interesa la característica del arte de no hallar con facilidad, cómo y dónde el autor ha materializado en la obra su poética mental y espiritual.
Señalamos finalmente algunos de los símbolos utilizado por De Diego para ahondar en su propuesta, como son la espiral, el nudo, la reja o la huella; todos ellos elegidos para señalarnos en estas esculturas su transito por el tiempo, o ese viaje que se emprende hacia uno mismo para deshacer nudos, abrir rejas o proteger en cajas aquello que preciamos o tememos, como es la “imperceptible posibilidad de lo finito”... Exposición muy interesante de ver.

Wang Qingsong con 'Follow me', en el CAF

Por: Antonia Bocero (La Voz de Almería, 14-4-2010)

Autor imagen: Wang Qingsong

Wang Qingsong es un artista chino de renombre internacional que trabaja el documentalismo, el vídeo, la escultura y la fotografía. Actualmente presenta en el CAF la muestra “Follow me”, título que hace alusión al celebre programa de enseñanza en lengua inglesa, que en China se retransmitió en la década de los 80, y dio lugar a que muchos ciudadanos de este país conocieran el estilo de vida occidental. Durante los 12 años que duró el programa, en los hogares chinos penetró un modo de vida que los ciudadanos desearon para sí. La ideología de consumo se había puesto en marcha, pero sin tener en cuenta su modelo social -con una economía regida y dirigida por el estado-, ni que los vínculos que habían establecido con Occidente partían de una irrealidad.
De todo esto nos habla Wang Qingsong en esta retrospectiva de imágenes llenas de energía y con una puesta en escena comparable a las grandes producciones cinematográficas. Su estilo guarda relación con el Gaudy Art, un concepto de arte - influenciado por el artista americano Jeff Koons- que marca una posición política, aunque la obra no tenga relación directa con ella. Como fotógrafo, a Qingsong hay que relacionarlo con ese grupo de artistas chinos (Liu Zheng, Yan Huang, An Hong…) que desde finales de los 90, y a través de la fotografía, nos están revelando los cambios materiales y sociales de la China contemporánea.
En su crónica, Qingsong señala especialmente los aspectos negativos que ha traído al pueblo chino su acelerado desarrollo económico, como son los daños al medio ambiente y la pérdida de su identidad cultural. En este sentido, nadie ignora que en los últimos cien años China ha roto con su cultura tradicional y ha aceptado el sistema de valores de la occidental, eso sí, sin que haya tenido la oportunidad de vivir nuestra cultura dentro de sus mejores ideales, como son los relacionados con la dignidad humana.
Engañado o no el pueblo chino, Wang Qingsong se nos presenta como un agudo comentarista de la vida contemporánea de su país, principalmente en lo que se refiere a la ideología de consumo y la cultura de masas, punto donde expresa la idea (en obras como “Cielo”) de que sus compatriotas no pisan firme; que optan por una vida excesivamente competitiva (“Concurso”) y antinatural (“Nutrientes), y que no se respetan los héroes del pasado (“La premonición de Buda”). Impresionante la obra “Arqueólogo”; como también lo es “Mansión China”, donde pone en relación cuadros de Manet, Man Ray y otros, con la tradición china, como deseo de armonía entre ambas culturas.
Echamos en falta, tal vez porque vive y trabaja en China, que no trate aspectos como la falta de libertad de expresión que vive el pueblo chino, donde silenciar al opositor, del modo que todos sabemos, está a la orden del día. Con todo, Wang Qingsong mantiene el sueño de ver cómo su país y el resto del mundo algún día caminarán juntos, y reflexiona: “Tenemos que enfrentarnos a contradicciones tanto de la antigua civilización china como de la cultura moderna occidental. Al parecer, en esta batalla no hay ningún ganador”. Aunque todos podríamos perder, si la cultura de consumo sigue fuera de control.

El Morenatti más comprometido, en el CAF

Por: Antonia Bocero (La Voz de Almería, 28-3-2010)

Autor imagen: Emilio Morenatti

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El CAF acoge hasta mediados de abril la exposición de Emilio Morenatti “Violencia de género en Pakistán”, una propuesta fotográfica que a nadie deja indiferente. En ella Morenatti parece apuntar: si queremos un mundo mejor, lo primero es conocerlo, aunque para ello debamos bajar a los infiernos, y plantearnos, de una vez por todas, en qué sociedad vivimos o a qué llamamos civilización. Estamos ante una exposición para la que cuesta hallar las palabras que se ajusten a lo que sentimos a la hora de hacer esta reseña; pero más que nunca hay que seguir, y abrir el catálogo, y ver de nuevo sus rostros, y contar y anotar aquí los nombres de las heroínas de esta exposición.
Morenatti, uno de los fotógrafos actuales más comprometidos con la sociedad, ha retratado los rostros de dieciséis mujeres pakistaníes que fueron atacadas con ácido por sus propios familiares o vecinos, unos hechos que destruyeron sus vidas. Ante estas imágenes, lo de violencia de género, en esta ocasión, se queda pequeño. Hace unos días oía decir a Eduard Punset que el mundo camina, aunque pensemos que no, hacia un mayor respeto y comprensión entre las personas. Habrá más empatía entre nosotros, más ONG, y que así sea; pero viendo los rostros y las discapacidades que padecen estas personas, creemos que para que se cumpla esa jubilosa y deseada premonición, debe quedar mucho tiempo, o que el tiempo de lo justo ya pasó. Pocas veces, como sucede en esta exposición, tendremos ante nuestros ojos la prueba más concluyente de la inmensa maldad que un cerebro de la especie humana es capaz de concebir.
La violencia en el mundo se ceba con los más débiles -lo sabemos-, y muy especialmente con las mujeres y los niños. No olvidemos la mutilación genital femenina ni la que sufren los niños en ciertas regiones del planeta para dedicarlos a la mendicidad. Pero aquí y ahora hablemos de Najaf Sultana, que fue rociada con ácido a la edad de cinco años, porque su padre no quería más mujeres en la casa: desde entonces es ciega total. Attiya Kahlil tenía dieciséis años cuando fue quemada por los familiares de un pretendiente al que rechazó; la joven dejó de ir a la escuela porque se reían de ella. A Naila Farhat, a los catorce años, cuando volvía de la escuela la atacó un hombre al que rechazó: este sujeto tuvo por cómplice al profesor de la niña.
Kanwal Kayun tuvo que abandonar su sueño de trabajar como azafata de vuelo tras ser rociada con ácido por el hombre del que se había divorciado. Subira Sultana fue quemada con gasolina por su familia política -por no haber aportado suficiente dote-; desde entonces, como la mayoría de estas mujeres, ha sido sometida a veinte operaciones de cirugía estética-reparadora. Sus historias son similares. Una tras otra fueron atacadas de manera monstruosa y sin sentido. Debemos considerarlas heroínas porque siguen vivas pese a sus muchos padecimientos, y agradecer a Emilio Morenatti que haya tenido el coraje de enfrentarse a esta barbarie y contárnosla.
En cuanto a los aspectos artísticos de la exposición, señalar que Morenatti es un maestro en el uso del color, la composición y la plasticidad. Formas, texturas y color son elementos visuales de primer orden en sus trabajos. No se va por los aledaños de la historia a retratar: sus motivos son el centro de interés de la imagen a plasmar, como vemos en esta conmovedora exposición.

Perceval "Memoria Fotográfica" en el CAMA

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Por: Antonia Bocero (La Voz de Almería, 9-3-2010)

Imagen: "Niño de La Chanca" de Jesús de Perceval
Col. Fundación Casa Ibáñez / Mª del Mar de Perceval

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Cuando a mediados de los 80 aparece en los almacenes del Palau de Montjuic parte de las obras enviadas por España en 1937 a la “Internacional de las Artes y la Vida Moderna”, celebrada en París ese mismo año, la sorpresa fue mayúscula, ya que tras cincuenta años de infructuosa búsqueda se las daba por desaparecidas. Se hallaron un total de 266 obras, centradas en la Guerra Civil, de las que nueve pertenecían a Jesús Perceval, si bien el cuadro titulado “La huída de Málaga” no estaba entre ellas, y a fecha de hoy permanece perdido.
En Almería el asunto impactó, pues poco o nada se sabía de esta colección, que venía a mostrar, y a demostrar, que antes del Indalismo Perceval se manejó en parámetros del arte, digamos, más comprometidos. Aunque en este sentido “Los Inocentes”, pintado en el 49, no lo es menos. Para Alix Trueba, comisaria de la “Exposición Pabellón Español 1937”, realizada en el Reina Sofía con parte de las obras expuestas en el Pabellón, opina que “es una fortuna para la historia artística de Perceval la aparición de este conjunto de obras de la Guerra Civil. No cabe la menor duda de que el período de la guerra fue extremadamente beneficioso para Jesús de Perceval”. Esta colección de pintura ensanchaba su figura de artista, como en los últimos años lo está haciendo la fotografía, otra de sus facetas artísticas que es motivo de sorpresa para muchos. Sin embargo, recordemos que desde muy joven Perceval se interesó por esta modalidad artística. De hecho, en 1936 realiza reportajes en los frentes de Madrid, como el titulado “Madrid sufrido y heroico”.
Ahora, al cumplirse los 25 años de su fallecimiento, el CAMA presenta unas 80 imágenes centradas mayoritariamente en el barrio de La Chanca, que pueden encuadrarse en el género de la fotografía documental que se realiza desde la mirada artística. Como propuesta Perceval no pretende mostrar la pobreza en la que vivían sus habitantes, lo que hubiera sido fácil, sino que utiliza ese privilegiado entorno como motivo artístico; de ahí la importancia que da a la composición, la luz o el equilibrio de los elementos que conforman la imagen.
La Chanca es un escenario natural que tiene vivido. Es una materia prima que puede documentar desde diversos puntos de vista, y elige principalmente hablarnos de la plasticidad de estos panoramas, con sus texturas logradas a base de cal y el repello de paredes una y otra vez de las humildes viviendas. También hay imágenes -no concreto al no presentar título las obras- en las que parece que la idea principal está en dar testimonio -sin tanta preocupación por lo artístico- de espacios como el entorno Alcazaba-Chanca, que resultan impresionantes; como lo son aquellas en las que señala cómo las calles con ropa tendida, las casas y sus habitantes forman parte de su arquitectura. Su ciudad y su tierra en estos años son su mayor fuente de inspiración. Perceval saborea lo que está haciendo, al menos así nos llega. Hay alegría y desenfado. Nada de lenguajes enigmáticos, sino que con toda naturalidad retrata la infinita belleza de este barrio, donde los niños son los habitantes menos sorprendidos y por tanto los que más se le entregan. Qué más podemos decir, sino que vemos a Perceval caminar por estos escenarios lleno de saber mirar, y enfocar la cámara adonde él desea.

"Siete décadas de creación fotográfica española" en el CAF

Por: Antonia Bocero (La Voz de Almería, 18-1-2010)

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Imagen: Alberto García Alix

Con ciento cincuenta obras pertenecientes a la colección Alcobendas, el Centro Andaluz de la Fotografía presenta “Siete décadas de creación fotográfica española”, en la que participan todos los grandes de la fotografía española, dándose cita las tendencias y temáticas más diversas. Es una de esas exposiciones que interesará al público en general y al estudioso del tema, pues cada una de las imágenes que la conforman recoge algunos de los aciertos logrados en los dos siglos de existencia de esta vía de expresión. Y no deja de ser una oportunidad poder ver en un mismo espacio narrativas tan opuestas como las de Ángel Sanz, Fontcuberta, Manuel Falces, García Alix, Ouka Leele o la de Carlos Pérez Siquier y algunos de sus compañeros de AFAL, autores éstos de unos personajes y unos temas que no se agotan con el paso de los años, sino que hoy son escuela de pensamiento por su aportación a la fotografía y a la cultura de las clases sociales.
Siempre compleja, y actualmente más por sus interrelación con los avances técnicos, la fotografía quizá sea el medio artístico que con más precisión nos puede hablar de los cambios que la sociedad experimenta. Otras artes como el cine o la literatura también lo pueden hacer, pero la aspiración última de ser testimonio de nuestra existencia, le corresponde al fotógrafo; él posee el medio y tiene la capacidad artística de captar lo inesperado, lo que desaparecería para siempre, lo que a vista de todos nadie parece ver: dispara, y en ese momento se adueña de un espacio de tiempo; antes, claro, ha habido años de formación, vocación, paciencia y llevar dentro a un artista: casi ninguno de nosotros, aunque lo deseáramos profundamente, podríamos parecernos, por ejemplo, a Manuel Falces.
El recorrido de la exposición da comienzo con “Medina Sidonia” (1959) y “Andujar” (1960), de Ramón Masats, dos imágenes emblemáticas de este pionero de la fotografía documental, que hablan de esa España en la que muchos no pintaban nada y unos pocos todo. Le sigue un autor de mirada poética, Gabriel Cualladó, que con el título “Gitanilla” nos acerca a la fotografía de la pose natural, la empatía y la emoción por el retratado, dándonos las claves para que dilucidemos, sin que él tome partido. De Alberto Schommer vemos los retratos a Alberti y a Cela, dos personajes del mundo de la cultura a los que no se les puede dejar de prestar atención, pues son parte, y así lo recoge Schommer, de nuestra historia reciente.
Con sólo dos imágenes de su serie ‘La Calle’, Joan Colom nos muestra la vida de uno de los barrios más pobres de la Barcelona de los años 50, el Barrio Chino: sus personajes, de frente o esquinados, se apoderan de la cámara. De Carlos Pérez Siquier la colección presenta dos obras en color de la serie ‘Objetos’: en un espacio indeterminado -si no fuese por la luz- sucede el encuentro con el objeto, al que miramos, mientras nos devuelve la mirada; texturas, magia, realidad y abstracción, se aúnan en estas dos piezas de gran sutilidad. Cerramos con García-Alix, un autor que atrapa el tiempo que se sucede en el ser humano; para él todo es finitud, bien por una herida de alma blanca o porque los zapatos no pueden más y se quedan en el camino: todo termina, nos dice Alix, “menos la muerte, que es eterna”. No se pierdan esta magnífica colección.

"Las huellas del caminante" de Pablo Serrano

Por: Antonia Bocero (La Voz de Almería, 30-5-09)

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Imagen: Pablo Serrano

Con piezas realizadas entre los años 1953 y 1985, el CAMA presenta la Antológica “Las huellas del caminante”, de Pablo Serrano, fundador del Grupo El Paso, junto a Saura, Millares o Canogar. La exposición está estructurada cronológicamente y su recorrido se plantea de forma didáctica; la conforman 32 esculturas, 9 dibujos, cinco cuadernos, una proyección audiovisual y textos del autor reproducidos en las paredes del Centro, que vienen en apoyo de las teorías desarrolladas en sus trabajos, que son de lectura muy conceptual, y donde el hierro, el bronce, los juegos de luz, el volumen y el espacio (exterior e interior), son características claves. Por otro lado, y dado el carácter tan conceptual del discurso, podría ser interesante detenerse primero en el video -que está al final del recorrido- antes de iniciar la visita, ya que nos parece un atractivo documento sobre el mundo de Serrano.
El bronce “Hombre andando por la playa” abre esta exposición, en la que iremos viendo cómo el artista alternó a lo largo de su vida obra de referencias figurativas con otra de producción abstracta. Los títulos de los bloques -hasta un total de trece- en los que está dividida la Muestra: “Ordenación del caos”, “Quema del objeto”, “Ritmos en el espacio”, “Lumínicas”, “Bóvedas para el hombre” o “Interpretaciones al retrato”, dan idea del armazón conceptual de la propuesta, que ahonda en lo vivo, lo muerto, y proyecta el deseo de que el arte contribuya a una sociedad más justa: sería el grito más inconformista del hombre.
Así visto, el artista estaría obligado a incidir en aquellos aspectos que ayuden a la creación del ‘hombre nuevo’, y lo libren de una sociedad absolutamente materializada. Aquél tendría el privilegio de hacerse con la ‘luz’ (con la magia del fuego), y no para apropiársela, sino para revertirla a la sociedad con nuevo significado. “Muerta la fe en tantas creencias de órdenes religiosos, escapemos al materialismo que nos rodea volviendo al espacio interior del hombre nuevo, capaz y comunicable”- nos dice Serrano. Para éste, toda creación es una experiencia de vida que arranca de la niñez, y que será ordenada en la obra hasta el logro de la emoción primera: la sentida cuando se halló la idea o aquel hierro abandonado.
La ‘luz’ de la que habla Serrano sería una inteligencia espiritual, que penetrada en el interior de las cosas crea esperanza. En “Formas táctiles” o “Luz y ropaje”, establece un juego de luz y oscuridad de sublime belleza. Su idea del espacio guarda relación con la vida y la muerte: el vacío, finalmente, no existe, ya que el espacio que deja el cuerpo del hombre cuando se va, queda para el espíritu. En este sentido, nos anota que el camino que vamos a recorrer, se inicia en el claustro materno, y será nuestra responsabilidad conformar nuestra bóveda: asunto que trata en la serie “Bóveda para el hombre”. Interesantes también sus propuestas sobre la mutación, la ruptura y la dualidad (el ser o no ser), que trata en las series “Ordenación del caos” y “Unidades-yunta”.
Junto al compromiso social, toda la creación de Serrano tiene como eje central al hombre, que inmortaliza en retratos expresionistas como los realizados a sus amigos Aranguren, Gaya Nuño, Alberto Portera, Michel Tapié, Eduardo Westerdahl, o a su admirado Antonio Machado. Y dos apartados que permiten ver, quizá más que otros, el eclecticismo en el trabajo de Serrano, son “Bocetos de Monumentos” -impresionante el de Miguel de Unamuno-, o “Entretenimientos en El Prado”, dedicado a Goya y a Velázquez, autores de los que hace una relectura muy personal.

"El paisaje sentido" de Michael Kenna

Por: Antonia Bocero (La Voz de Almería,13-7-09)

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Imagen: Michael Kenna

De la mano del Centro Andaluz de la Fotografía llega a España por vez primera una retrospectiva conformada por 128 obras en blanco y negro del fotógrafo Inglés Michael Kenna, autor que recoge en sus paisajes ideas cercanas a lo que en literatura busca el haiku: a partir de situaciones sencillas y estética minimal, indagar, entre otros, en asuntos tan universales como el del paso del tiempo, icono que en la obra de Michel ejerce de leitmotiv. Al autor le precede la fama de ser un artista brillante, y lo sería incluso con la sola publicación de alguno de sus trabajos, realizados a largo de treinta años en lugares tan equidistantes y de contenidos culturales tan contrapuestos como Nueva York, India, Venecia, Japón, China, París, Mexico, Rusia o Estados Unidos.
Si en el CAF ya hemos visto la impresionante “Afganistán y Palestina” de Emilio Morenatti, la internacional “ENFOQUES” o la británica “Orden desde el Caos”, ahora nos llega la exposición de la exquisita poética, y aquella en la que todo resulta inusual en la obra de un autor, como su manera de recoger la luz que al amanecer invade un castillo, un parque, un mirador adentrado en alta mar o a los moáis de la isla de Pascua, magnificando en este caso, si cabe, aun más estas grandiosas esculturas. Michel, con exposiciones prolongadas captura en una sola imagen largos periodos de tiempo, de ahí ese halo de misterio que propone su obra de belleza íntima en series como las realizadas en Japón o esplendida cuando la halla en el inhóspito paraje de una fábrica dedicada a la producción del acero en Michigan.
La limpidez para concretar ese mundo de brumas, silencios, abadías o espejismos que se levantan sobre el mar, resulta sorprendente. Este “Paisaje sentido” nos parece un dialogo sereno y personal con la naturaleza, del que surgen escarpadas rocas, el respirar de chimeneas en Nottinghamshire o el hombre que sin estar se mira en el agua mansa: todas son imágenes elocuentes de que el mundo puedes ser un lugar con alma. Ser ese jardín al que Juan Ramón Jiménez canta: “hay un oro dulce y fresco en el malva de la tarde, que da realeza a la belleza suntuosa de los parques. … Está preso el corazón en ese sueño inefable, que le hecha su red; ve sólo luces altas, alas de ánjeles”. O también, como escribe el poeta americano Wallace Stevens, “el mundo pudiera no ser más que el concepto que se tenga de él”.
Michel nos recuerda en su obra que la fealdad y el sufrimiento se pueden mitigar: si te adentras en la vivencia de la soledad, en el transcurrir de la noche o caminas por el Campo de Criptana cual Quijote, el árbol desojado por los duros viento o el ave que regresa al nido, te saludarán con los dedos de la poesía. Obra estoica a la gran nevada, y dispuesta a señalar los misterios que guarda la naturaleza, en imágenes llenas de fuerza, aun desnudas de elementos y de toda maldad.
Los lugares que retrata Michel, en algún caso nos son conocidos, por lo que adivinamos al ver sus imágenes que horas antes por allí circularía una peregrinación de paseantes con sus ruidos bullangueros mientras iban de acá para allá con su cámara, sin saber que un fotógrafo de prestigio ajeno a ese espectáculo también de vida, esperaba la noche con su amanecer para retratar las fantasías visuales de un mundo que habitualmente no vemos. Mi impresión más personal: acérquense al CAF y disfruten de esta vivencia poética, porque también estamos hechos de esa materia.

"Seguir Vivos" Exposición de Video-instalación en el CAMA

Texto: Antonia Bocero, La Voz de Almería, 23-6-07.

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Imagen: MASBEDO

“Seguir vivos” recoge los trabajos realizados por MASBEDO (Niccolo Masazza y Jacopo Bedogni), una pareja de videoartistas italianos que por sus aportaciones a la cultura del video se han hecho imprescindibles en Ferias y Exposiciones del más alto nivel.
La exposición que vemos en el CAMA la conforman las videoinstalaciones:“11.22.03”, “Hielo vertical” y “El mundo no es un Panorama”; la instalación: “Eros y psique”, varias fotografía y el documental “El mundo no es un panorama (backstage)”, que narra el procesos de los trabajos. Estas creaciones tienen como base el pensamiento del escritor francés Michel Houllebeq, uno de los intelectuales más crítico con el modelo de cultura occidental. En sus textos Houllbeq pone en solfa el mundo nacido del 68, el psicoanálisis o las libertades, cuestiones que, de algún modo, subyacen en “Seguir Vivos”.
El mensaje más claro que nos llega de esta obra artística es que el mundo es un lugar de lamentos, agonías y muerte; de sonidos en la lejanía (los tacones de la madre) y de traumas infantiles (las heces del niño abandonado están por ahí); en tal situación, no extraña que los protagonistas miren y hablen como suicida que estuvieran a punto de vagar eternamente solos, y la soledad enloquece, nos proponen. Aunque entendemos que fue la locura de la auto exterminación la que llevó a tanta soledad. En los textos de “El mundo no es un panorama”, Houellebecq sentencia que “La Tercera Disminución (de los seres humanos) será definitiva; está por llegar.”
Hay una mueca de esperanza que está en relación con el sexo y el amor. Pero es sólo eso: en la instalación Eros y Psiqui la incomprensión entre el hombre y la mujer es evidente: ambos se ven pero no se pueden tocar: se enamoran, y se elevan progresivamente, pero el día a día hace estragos en nuestros cuerpos y el sexo se resiente y, junto a ello, también descubrimos que no existe la persona que nos pueda comprender tal y como deseamos. “Recuerdo -escribe Houellebecq- que eras deseable.
Hay que ver esta obra de arte, que posee una fuerza plástica extraordinaria, y de la que destacaría, como nota positiva, que es un desgarrador testimonio contra aquello que nos impide ser felices.

"Rafael de Penagos en el CAMA"

Texto: Antonia Bocero, La Voz de Almería, 12-07.

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Imagen: Rafael de Penagos

La exposición que presenta el CAMA de Rafael de Penagos, permite mostrar por vez primera en Almería un panorama bastante completo de la obra de este autor, considerado el mayor representante de la ilustración Art Déco en España. La muestra, en la que impera el optimismo en su manera de ilustrar la vida moderna, es una selección de la colección MAPFRE, compuesta por acuarelas, gouaches, pasteles, óleos y dibujos, concebidos como originales para ilustraciones gráficas, carteles o anuncios publicitarios. El estilo de Penagos marca un antes y un después en la imagen que desde los medios de comunicación se proyecta de la mujer española, que fuma, hace deporte y muestra su cuerpo, no ya de matrona, sino el de una mujer sofisticada que ha resuelto pertenecer al mundo, y lo hace con alegría, porque son los felices XX.
Penagos fue el artista aliado con esa corriente de pensamiento que desde los primeros años del siglo XX aspiraba, dentro de los ideales de la modernidad, a la transformación de la sociedad, dando por finalizado el periodo decimonónico -tan desdeñoso por cierto con la mujer. Es el renovador que hizo posible que ésta pudiera concebirse, ganando en atractivo, como un ser de líneas puras, sintéticas, opuesta por tanto a la mujer hecha para criar, mostrar curvas o vivir entre fogones. Retrato que permite imaginar a una mujer que tiene como fondo de armario un traje igual al de su hermano. Viendo en la exposición la figura de pequeños senos que anuncia el baile de máscaras en el Circulo de Bellas Arte de 1934, recordamos que esa alegría pronto desapareció, y hubo que esperar muchos años para que otro seno -el de Susana Estrada- apareciera impreso en un diario junto a don Enrique Tierno Galván, que entregaba el premio al “personaje más popular del año”, dado por el Diario Pueblo a la artista. “No vaya usted a enfriarse”, fue lo que manifestó el profesor a la vedette, que junto a la modelo Nadiuska y la actriz Victoria Vera, reivindicaban en 1978 la libertad escénica.
La mujer de Penagos pierde curvas, tiene apariencia asexuada, pero resulta extremamente atractiva. En el mundo real se está preparando para decir “existo”, pero en las obras de este autor -el arte es avanzadilla- ya está en el mundo de pleno derecho. Para lo cual, Penagos la muestra ligera de ropa -símbolo de libertad-, estudiando, en los cafés sin marido o paseando con las amigas por las calles de la ciudad. Son guapas, están llenas de alegría y miran a la vida con seguridad: saben lo que quieren. Ya no es el estereotipo de aquella mujer tímida y coqueta de la ilustración gráfica decimonónica. Esta manera de ver la feminidad fue una corriente que en Italia se denominó maschietta, en Inglaterra y Estados Unidos flapper, en Francia garçonne y aquí “La mujer Penagos”.
La exposición es toda ella un alarde de sensualidad. Representa la imagen cosmopolita y moderna de la España anterior a la Guerra Civil. La “Mujer tumbada en la playa”, con la espalda al descubierto, simboliza una nueva moral y anticipa esos top-less bronceados que en los 60 -gracias a la necesidad de divisas- aparecieron en las calas ibicencas. Elocuentes son las portadas para las revistas “La esfera”, “Blanco y Negro” o “Nuevo Mundo”, con la fémina esquiando o entendiendo su hogar como un lugar de alegrías, y un encanto el de esos cafés con personajes de amores extraños. En suma, la vida contada en un lenguaje artístico que propone a la sociedad renovar viejas ideas.

"Orden desde el Caos" en el C.A.F.

Texto: Antonia Bocero, La Voz de Almería, 11-1-09.

Imagen de Boo Ritson: "Auxiliar de vuelo". Col. Privada

Ori Gersht, Idris Khan y Boo Ritson son tres representantes de la fotografía británica actual que utilizan las técnicas más diversas para el logro de un proyecto artístico que pretende situar la fotografía en un lugar distinto al acontecimiento social, personal o el mundo cotidiano que les rodea, y si lo hacen -caso de Ritson- lo transforman. Trabajan con ideas, pensamiento, mirada pictórica, novedosos materiales, y un enfocar la cámara a otros momentos de la cultura, lo que da como resultado unas obras de gran fuerza y originalidad. La relación entre los autores se establece más en el fondo que en la forma, pues a nivel de expresión las propuestas son tan heterogéneas como los lenguajes que en ellas tienen cabida: el de los estadounidenses Alfred Stieglitz -marido de O´Keeffe, la pintora de las flores sobredimensionadas-, Bill Viola -artista que enlaza la tecnología con el arte del pasado-, o el pop art de Andy Warhol, y otros.
En el caso de Ori Gersht, este mundo de relecturas en innovaciones cuelga de las pareces del viejo Liceo en forma de ramos de flores que estallan en un orden perfecto, con el objetivo poético de vagar por el universo en rápida huida de la muerte que espera.
Ori parece fascinado por la belleza que se niega a no perpetuarse en lo maravilloso de ser vida, aunque sea congelada en nitrógeno líquido. Ciencia y poesía se dan la mano en unas obras que indagan en el misterio de la vida. En la historia que nos cuentan las imágenes “Blow Up #01”, “Blow Up #04” o “Blow up #07”, campea lo insólito del Big Bang; un Big Bang que expande vida: ¿pero qué pasará cuando el universo se haya enfriado por completo? Otro asunto en el que indaga Ori -cuestionándolo aunque le sirve de inspiración- es en el concepto clásico de bodegón, aportando un trabajo sobre el paso del tiempo, una simbología que también utilizaron los maestros holandeses quienes con tanta frecuencia llevaron a sus cuadros el reloj como idea de fugacidad.
El trabajo de Idris Khan aporta una reflexión acerca de la interrelación de las artes y la influencia de los grandes maestros -en su caso Caravaggio, Turner, Bernd y Hilla Becher o Wagner- en los artistas actuales, que da como resultado una obra de carácter intimista. No es fácil traspasar sus imágenes, que requieren un espectador con imaginación, y dispuesto a realizar ante ellas un trabajo de pensamiento. En estas imágenes -realizadas superponiendo capas de fotografías traslúcidas- intuimos un libro de ensayo donde Idris abre puertas, a modo de juego tenebrista, que no conducen a lugar concreto: Es el enigma de arte.
De las 42 imágenes que conforman la exposición, 11, en clave pop art, pertenecen a Boo Ritson, artista que aporta la idea de que el mundo -la realidad- no es sino un gran teatro, y lo hace realizando una obra de narrativa fílmica que responde a estereotipos reconocibles. Ritson fotografía a personas normales, que tras ser bañadas en pintura se transforman en mujeres cowboy, nadadoras, misses, auxiliares de vuelo o representantes del FBI, poniendo de relieve lo poroso de nuestra personalidad. La serie dedicada a la comida basura -perritos calientes, megasándwiches o albóndigas- como discurso provocador resulta de lo más interesante.

"Sorolla y sus contemporáneos" en el CAMA

Texto: Antonia Bocero, La Voz de Almería ,6-12-08

Óleo/tela. Niño comiendo sandía, Sorolla

Procedentes del Museo de Bellas Artes de la Habana, y de la mano de la Fundación Unicaja, llegan al CAMA medio centenar de obras pertenecientes a Sorolla, Zuloaga, Pinazo, Anglada i Camarasa, Rusiñol, Francisco Pons o Julio Vila Prades, entre otros grandes del luminismo español. La muestra, que es de carácter didáctico, ilustra el periodo español que va desde finales del romanticismo hasta el comienzo de las primeras vanguardias del siglo XX, en el que el sorollismo ocupó un importante lugar en el panorama del arte. Aunque la exposición va más lejos, al señalar dos corrientes pictóricas que convivían en ese tiempo, como son la mediterránea -donde los efectos de la luz y un especial canto a la vida tienen gran significado- y la castellana, más simbólica e intimista y cuyos iconos inspiraron con frecuencia la obra del vasco Ignacio de Zuloaga, como vemos en los nueve cuadros que de él presenta la exposición.
Por otro lado, la muestra es un buen ejemplo del interés que ofrece la pintura española de ese momento fuera de nuestro país, y en concreto la de Sorolla, que cuenta con una sala propia en la Hispanic Society de Nueva York y otra en el museo habanero dedicada permanentemente al autor. Los 17 títulos que aquí se exhiben presentan una temática variada y tienen el carácter propio de los buenos periodos del pintor, por lo que deberán ser disfrutados por un público amplio. Interesante es ver juntas obras como “Gitana” o “Retrato de la marquesa de Balboa”, ambas de factura realista, junto a “Fiesta de alquería valenciana”, que por comparación permite comprobar cómo por las mismas fechas el autor se permitía realizar trabajos de factura más que abreviada por entonces.
Casi en su totalidad los títulos exhibidos pertenecen a una pintura al aire libre, como el cuadro “Valenciana recogiendo naranjas”, una bella estampa de figura femenina que por el atuendo y la actitud parece un tema idealizado. Otra obra que llama la atención es “Niño comiendo sandía”, donde se conjuga con naturalidad la luz que se adentra por los cañaverales con una paleta plena en matices, al tiempo que deja ver -pese a la sencillez del tema- la admiración del artista por Velázquez. De los cuadros realizados a sus seres queridos citamos “Elena entre rosas” o “Niña”, este último un tema marino tratado con pincelada amplia y suave tonalidad, muy alejado de las luces contrastadas tan frecuentes en sus temas de pescadores.
De las 9 obras exhibidas de Zuloaga, dos de ellas son impresionantes, como son “Rosita”, una figura suelta con un vestido de fabula que irradia belleza en lo no limitado del color, de los pliegues…, que ocupa todo el espacio del cuadro; y “El banderillero llamado el buñolero”, título que crea un espacio plástico y poético por donde el espectador puede deambular por lo mejor del arte español. Tres autores más nos gustaría citar: Julio Vila Prades, que con “Retrato de Dama con perrito” y “Muchacha en velero”, se señala como un maestro de la pintura elegante; Enrique Martínez-Cubells, del que vemos “Una botadura”, obra de sensibilidad, ejecutada en amplias pinceladas y tonos oscuros muy diluidos; y Anglada i Camarasa, con lienzos tan imponente como “La alicantina” -propio de su temática de figuras femeninas- y “Retrato de anciana”, cuadros de gran fuerza que no dan opción a que el espectador desvíe la mirada hacia otro punto que no sean los retratos.

Emilio Morenatti en el C.A.F.

Texto: Antonia Bocero, La Voz de Almería, 27-11-08.

Imagen de Emilio Morenatti

Como es sabido, el Centro Andaluz de la Fotografía (CAF) ha inaugurado su nueva sede, ubicada en el restaurado Liceo de Almería, con las exposiciones “Human” de Jorge Rueda -considerado un revolucionario de la fotografía española en el último tercio del s. XX- y “Afganistán y Palestina” de Emilio Morenatti, que muestra una selección del trabajo realizado en los últimos años en Afganistán y Palestina, lugar éste donde por cierto fue secuestrado el año pasado. No quisiera excederme, pero las dos exposiciones -y el recuperado edificio- son de un interés tal que resulta obligado hacerles, no ya una visita, sino varias. Nos parece que con esta apuesta -y otras que ya hay- Almería, poco a poco, va dejando de ser esa esquina de Andalucía opaca a la cultura más de vanguardia.
Este espacio, hasta donde sabemos, parece reunir los requisitos necesarios para que la institución -siempre libre y con leyes autónomas, como requiere todo proyecto que se precie- se afane en buscar una mayor proyección internacional de lo que es y ha sido la fotografía andaluza, un campo en el que Almería ha dado grandes autores. Las obras de los dos artistas que estrenan la nueva etapa del CAF dan para varios artículos, pero vamos a comenzar por la antológica del jerezano Emilio Morenatti, y en otro trabajo entraremos en el sugestivo y mordaz universo de Rueda.
Lo que se retrata en “Afganistán y Palestina”, con gran respeto hacia los débiles, es el día a día de unas personas que viven asediadas por toda clase de calamidades y horrores, dejando ver que hay niños, hombres y mujeres a quienes desde hace décadas les son atropellados sus derechos mas elementales. Un mundo terrible, desde luego, aunque presentado a través de una gran plasticidad. Haciendo un recorrido por las imágenes nos sobrecoge la impresionante figura de la primera mujer suicida palestina, que en sí misma resume la realidad de su pueblo; la “p. 08”, o el dolor de la muerte, que nos parece de una belleza plástica y emotiva comparable a “La Santísima Trinidad” del Greco, o al “Cristo muerto sostenido por un ángel” de Tiépolo; la “p. 26”, otra maravilla en su composición, con un atardecer cargado de razón y sentido místico; o la “p.15”, toda equilibrio, armonía, sensualidad en la luz, con la fuerza de la expresión propia de la fotografía intacta en el dolor de la joven exhausta tras el velatorio.
Del apartado dedicado a Afganistán señalar en primer lugar la “a.01”, imagen en la que un grupo de niñas, retratadas a cierta distancia, parecen simbolizar la esperanza para este pueblo; también la “a. 29”, con una luz sobrecogedora, y que nos hace pensar en la “Fragua de Vulcano” de Velázquez. Y así una tras otra, hasta más de 40 imágenes impresionantes. Toda la exposición es dura, pero llena de poesía. En ella contemplamos una vida inimaginable entre nosotros. La empatía está asegurada con estas personas que han sido por la fuerza aisladas de la felicidad; obligadas a vivir en la luz crepuscular que precede a la muerte. La sensación de desamparo parece inhumana. Los niños viven entre fusiles, y son utilizados como escudos humanos. Quién iba a decir que alguna vez Afganistán fue visitado por antiguos griegos y budistas, y que sus mujeres iban a la moda de París; hoy es un pueblo donde se convive con millones de minas personales que mutilan a los niños, y sus bellas mujeres son figuras recortadas por una oscuridad inmensa.

Colectivo "La Gallina Ciega" Arte contemporáneo

Texto: Antonia Bocero, La Voz de Almería, 2-5-08.

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Imagen de Oriol Maspons

La exposición de pintura, escultura y fotografía que presenta el colectivo “La gallina Ciega”, en CajaGRANADA y el Patio de Luces de la Diputación, está representada por dieciocho artistas en línea con el denominado “arte realista”. La figura más destacada es la de Antonio López, que presenta “Membrillero” -un tema sobre el que ha trabajado en numerosas ocasiones-, “Iris, Lilas, Rosa blanca” y “Melocotonero”, tres obras a lápiz/papel, en las que con certeros y sencillos trazos, cargados de tensión poética, plasma la esencia del motivo.

Andrés García Ibáñez, con sus controvertidos temas “El cristo de la muerte”, “Penitente”, “Manola VI” y “Manola VII”, propone desenmascarar algunas hipocresías de nuestra sociedad. De Golucho -que lleva una temporada deleitando con sus obras al publico almeriense-, señalamos “Retrato desde la Penumbra”, “Paco” y “Mujer II”, obras a lápiz/papel que definen y resumen la categoría de este artista.

Las esculturas de Noé Serrano no dejan indiferente a nadie; lo vemos en “Funcionario” y “El Pastor”, obras de carácter incisivo, en las que logra el sueño perseguido por algún científico: crear híbridos (humano-animal), aunque en este caso no sea para la investigación, sino para hablar, desde el arte, de asuntos sociales.
La única mujer que vemos en el colectivo es a Toña Gómez, que exhibe dos obras de apuesta conceptual, en técnica mixta: un políptico de cinco partes, perteneciente a la serie Cinco elementos-Cinco movimientos (2003), y el díptico “Hacia la nada” (2006). La primera tiene como base la teoría china de los cinco elementos que conforman la Naturaleza: agua, fuego, madera, metal y tierra, que resulta aplicable a cualquier orden de la vida; en la segunda un inmenso mar en calma -¿símbolo de nuestra sociedad?- acaba de engullir un pequeño cayuco cargado de pobres: la penumbra dejada es enorme, como la sensibilidad de esta artista, siempre exquisita en todas sus propuestas.

El pintor Guennadi Ulibin es un maestro en captar el tiempo fugaz: señalamos “Misia” (2005). Dino Valls, con su arte figurativo y gótico, representa el misterio, la mística: es el mundo de lo inimaginable. Por su parte, Giorgio Ortona -alumno de Antonio López- trata, con notable virtuosismo, los temas de siempre: paisajes, bodegones.

Carlos de Paz se fue a la malherida costa gallega, ensangrentada de chapapote, y realizó un reportaje que aún sobrecoge. La exposición permite nuevamente disfrutar de la fotografía de dos grandes: Francisco Ontañón (“Familia andaluza”) y Oriol Maspons (“Hippy invitada a una fiesta” y “Fiesta de hippies ricos”, ambas deliciosas). Junto a ellos vemos al joven fotógrafo Pablo García Ibáñez, que busca dar testimonio de su tiempo con la serie “Roscos” (Olula del Río, 2006). La digital de Alfonso Alonso “Pasión” hay que entenderla dentro de un realismo mágico-barroco. Miguel Ángel Invarato muestra varias obras de su serie Existencias, cargada de símbolos y retratos, que corresponde a sus paseos fotográficos y poéticos por la ciudad de Nápoles.
Finalizamos con los escultores: Francisco López (“Isabel”), todo un clásico del realismo. J. María Serrano (“Nueve”), gran detalle sin llegar al hiperrealismo. Roberto Manzano (“Extremofilo”), obra de contemplación estética. Juan Polo (“Abandono”), autor cordobés y último alumno vivo de Benlliure, trabaja, dentro del naturalismo-decimonónico, por el logro de la belleza.

"LO QUE DA PRECIO AL VIAJE ES EL MIEDO" en el CAMA

Texto: Antonia Bocero, La Voz de Almería (08)

Imagen de Alberto García Alíx

Sobre la que fuera la galería de Pepe Cobo en Sevilla, se levanta desde 2007 Espacio Escala, lugar elegido por Cajasol para ir mostrando, a través de sucesivas exposiciones, las 5.000 piezas que integran su colección de Arte. Al CAMA, presentadas bajo el título “Lo que da precio al viaje es el miedo”, han llegado unas 30 entre fotografía, pintura, vídeo e instalación. La muestra se unifica en los apartados Cambiarlo Todo (con obras de tensión: la guerra, la pobreza, la injusticia), El Placer de Mirar (un proyecto más sereno) y Colección Privada (que se ocupa del hedonismo).
Entendemos la muestra como un proyecto artístico-cultural que propone realizar el viaje por los interrogantes de la vida utilizando no sólo nuestra capacidad de razonar sino también las de soñar, imaginar... Así, preguntarnos: ¿quiénes somos?, ¿qué lugar ocupamos en el universo?, ¿podemos cambiar el mundo?, ¿qué hacer con el mal?; no debería impedirnos explorar en asuntos tan lúdicos como los del erotismo, la sensualidad o prestar atención a las extravagancias que, en apariencia, a veces nos propone el arte. Porque quizá, cuando esto sucede -aunque con frecuencia son fuegos de artificio- el artista esté abriendo caminos a otras maneras de mirar, y entonces qué emoción saberse partícipes de algo que antes de nuestra mirada-cómplice nada era. Un ejemplo lo hallamos en el video “En Juego”, de Eugenio Ampudia, donde un balón es sustituido por un libro, cargándose -con la inocencia de un niño- la opresiva lógica que con tanta frecuencia impide el proceso creativo.
Otra cuestión que en la muestra se hace patente es cómo Internet forma parte de la historia artística de autores como Joan Fontcuberta, de quien en el apartado Cambiarlo Todo vemos la imagen “Inmigrante” de la Serie Googlegames 2005, realizada a partir de la introducción en el buscador Google de aquellos términos o palabras clave relacionadas con el tema de sus obras, hasta obtener las fuentes gráficas que conformen la imagen final; propiciando, junto al mensaje de las obras, un enriquecedor juego de asociación entre imagen y palabra. Este apartado invita muy directamente a que optemos por una actitud activa ante los problemas del mundo actual; como ejemplo de ello señalamos, junto a la obra anterior: “Sarajevo” (1997), fotografía que remueve conciencias, de Paulo Nozolino; “Manufacturing #11”, de Edward Burtynsky, que habla de la producción en cadena, alienante para el trabajador; y la vídeo-instalación del pintor Diango Hernández “Bebe de mis rosas”, en la que analiza la relación entre el poder y el arte: la pista se halla en la nota que hay sobre el pupitre...
Del apartado El Placer de Mirar anotamos la fotografía de José Manuel Ballester “Gran columna”, tomada en China, que habla -a través del esqueleto de un edificio en construcción- de la ciudad como el inhóspito paisaje al que el hombre habrá de adaptarse; y la interesante pieza del malogrado artista cordobés Pepe Espaliú, S/T., de la serie Patrones (1988), una reflexión sobre el sistema social que nos encuadra en un patrón determinado a fin de evitar fugas de libertad, y que por ende anula nuestra personalidad. En Colección Privada hay obras tan interesantes como “El padrastro de la hurraca” de Alberto García-Álix, autor fantástico perteneciente a la movida madrileña que utiliza como estrategias creativas la mirada y la luz; y el vídeo del pintor y cineasta Bigas Luna “Virgen Lactando” (2003), que es parte del proyecto expositivo Ingestum-Los Fluidos, donde se habla de lo que ingerimos y de nuestros propios fluidos: agua, leche y sangre. Aquí, la leche materna es fluido que alimenta cuerpo y espíritu: algo así como el camino o Vía Láctea de la que venimos y nos alimentamos.

Exposición "ENFOQUES" en el CAF (I)

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Texto: Antonia Bocero, La Voz de Almería, 22-6-2008.

Imagen: Petrina Hicks, Centre for Photography, Australia.

Organizado por el CAF se ha celebrado en Almería el I Encuentro Internacional de Centros de Fotografía, que ha dado lugar al acuerdo de crear una red en Internet con Sede en Almería. Con tal motivo se desarrolla la exposición ENFOQUES, que está conformada por 102 fotografías y 100 catálogos pertenecientes a los 20 Centros representados. Las imágenes, fechadas entre 1885 y 2007 recogen más de un siglo de historia de la fotografía, con sus enfoques y estilos diferentes. Debemos anotar que casi en su totalidad las imágenes pertenecen a Series -señaladas en catálogo-, lo que dificulta la comprensión del proyecto creativo del autor, aunque no el goce estético de las obras de manera individual. Por otro lado, no es posible condensar en un solo trabajo una exposición de esta envergadura, por lo que se hará en dos partes, citando ya, en primer lugar, a tres representantes de Australia: la elegante Petrina Hicks, una maestra en retratar la calidez del rostro en plena juventud, para recordarnos en su fotomontaje “S/t” que nada es perfecto; Sharon Green, con la fotografía artística “Los tantos de la historia”, en la que imperan la sugerencias, habla de historias que arrojen luz sobre oscuros deseos; y Trent Parke que, con la sola imagen de “Hombre vomitando” se confirma como un innovador y un maestro en la composición con luces y sombras.Brasil presenta a grandes fotógrafos como Marcel Gautherot, de quien vemos “Misterios en construcción” (Brasilia 1958), obra trabajada en un lenguaje internacional: con la amplia explanada y las formas simétricas de los edificios, parece decirnos que Brasilia nace alejada de atavismos heredados; José Medeiros, autor de una interesante obra sobre los rituales afro-brasileños, sorprende con “Indios iaualapitis” (1949), una imagen potente que puede ser más apreciada por los iniciados en la fotografía; y Hans Günter Flieg, fotógrafo industrial, con “Cúpula del Palacio de Deportes” (1956), refleja el crecimiento industrial de Brasil. De Canadá señalamos a la soberbia y compleja Donigan Cumming, que propone uno de los numerosos retratos que realizó a su modelo Nettie Harris, mujer de edad avanzada que se dejó desnudar en cuerpo y espíritu; la imagen que vemos posee una cuidada puesta en escena, y parece estar dentro del discurso de que todos somos un escaparate dispuesto a ser consumido.Colombia trae lirismo: con una estética impecable León Darío Peláez cuenta en sus “Pájaros blancos” cómo la noche puede transfigurar la realidad, para hacerse espacio poético de la máscara recortada de la guerra; y Carlos Caicedo, “Imitando a Picasso”, muestra un vigoroso lenguaje expresivo, logrado sin pretensiones ni petulancias. De Cuba impresiona la fotografía “La plaza”, de Roberto Salas, obra habitada de la energía que documenta una época; y la de Alfredo Sarabia, “S/t”, que representa un momento de apariencia cotidiano, cuya propuesta sería que no son necesarios montajes ni escenarios elaborados por el fotógrafo para hablar de inquietud, de lo inesperado, porque la realidad, como transmite la imagen, ya es inquieta en sí misma.

Finalizamos este primer recorrido con Barry Iverson (Egipto), autor que hemos seguido en publicaciones como Life, People, Paris Match o National Geographic; especializado en Oriente Medio, ha fotografiado numerosos conflictos (el asesinato de Sadat, la Primera Guerra del Golfo), excavaciones sobre la tumba del hijo de Ramsés II y documentado la erosión de las pirámides fotográficamente, por lo que está considerado un autor de gran interés para Egipto: su obra en el CAF, “León envuelto”, está dentro de esta temática

Exposición "ENFOQUES" en el CAF (II)

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Texto: Antonia Bocero, La Voz de Almería, 23-6-08.

Van Leo: "Autorretrato". Van Leo Arab Image Foundation, Líbano.

Decíamos en el trabajo anterior que la colectiva ENFOQUES recoge en 102 imágenes, pertenecientes a 20 Centros Internacionales, un siglo de historia de la fotografía, algo no fácil de ver y menos en un lugar tan esquinado como Almería. Cada Centro propone su proyecto y los artistas que participan de estas colecciones su particular manera de entender la creatividad; tal es el caso de Bernard Pras (Francia), un creador multidisciplinar, influenciado por el Pop, que se expresa cual Arcimboldo moderno. Es la suya una mirada distinta, con sentido del humor, como vemos en “Pascal”. Otro registro es Pernille Koldbech Fich (Inglaterra), un joven talento de la fotografía danesa que, en un estilo sobrio, nos presenta en “Bed and breakfast” a una joven de rostro melancólico que clava sus ojos húmedos en el espectador, preludio de lo que parece una noche deshabitadamente fría, tenebrosa… Arte y belleza se aúnan en la obra de Van Leo (Libano 1921), un artista del máximo interés, elegante y sofisticado, que crea un juego de luz y sombra en el rostro de sus modelos hasta el logro de la emoción. En la década de los 50 y 60 era el fotógrafo más apreciado por el Cairo cosmopolita. Sus retratos, de estética inimitable, a escritores, bailarinas o directores de cine están llenos de glamour. Su visión de la modernidad es extraordinaria: miremos si no sus autorretratos (1945), imágenes de una época dorada que los avatares de la historia evaporó.
Del continente americano citamos a Cannon Bernaldéz (México), que con la fotografía artística “Miedos”, nos ofrece un trabajo que gira entorno a la desolación, el dolor o las situaciones límite, pero en base a hechos aún no acontecidos. No es un fotógrafo dado al reportaje: él crea, como en este caso, su materia expresiva. De Rusia llega Sergey Chilikov, que propone, en un espacio real una fotografía inventada, en la que una mujer corre hacia la tormenta creando una escena -sin más testigo que un mudo carrito abandonado- sensual y vital hasta hacerla parecer real. León Levson (Sudáfrica 1883), es un autor de renombre que tuvo como objetivo principal en su vida documentar e interpretar la vida africana desde el punto de vista del objetivo de la cámara; un ejemplo de esta labor es “Fotógrafo callejero”.
Desde hace tiempo España sabe que no puede permanecer al margen del acontecimiento artístico que es la fotografía, y prueba de ello es la labor que desde el CAF se viene realizando, con dos directores hasta la fecha, Manuel Falces y Pablo Juliá, que han promovido que los fondos del CAF cuenten con un catálogo de prestigiosas firmas, como es la de Jorge Rueda, de quien vemos “Lady Bishop”, obra que se cita con un surrealismo sin angustias. En ella hay color, técnica, inspiración, juego, humor: al fin, una tarea de imaginación al servicio de la libertad creativa. La obra de Cristina García Romero “Tabernas”, representa una situación en calma, misteriosa, rota por la imagen cinematográfica del caballo que acumula la tensión creativa. Cualladó, en “Niña peinándose”, describe un instante de la vida cotidiana en un lenguaje impregnado de poesía. Si Manuel Falces dice que las fotografías son «el recuerdo y la memoria a través del papel», en la imagen que presenta en el CAF ésta transita por un paisaje lunar, silencioso, atemporal, perteneciente a una realidad poética. Finalizamos con la obra “Cabo de gata”, un paisaje de gran plasticidad de Carlos Pérez Siquier, donde es de admirar, además de la composición, su atmósfera pictórica, el hecho de que la presencia humana, sin aparecer en el espacio de la imagen, se halle tan solidamente representada: una genialidad.

"El Danubio" de Inge Morath

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Texto: Antonia Bocero, La Voz de Almería , 2007.

Imagen: Sulina Kanal. 1994, de Ingel Morath.


La vinculación de la reportera austriaca Inge Morath (1923-2002) con España data de los años 50, cuando de manera imprevista realiza un reportaje de boda en el pueblo de Navalcán (Toledo). Posteriormente fotografía la vida de pequeñas ciudades y pueblos de Castilla, Extremadura y Andalucía. En estos reportajes sus personajes preferidos son la gente humilde en sus quehaceres cotidianos, con su luto perenne, su pobreza y atraso cultural. Dotada de una gran sensibilidad, nos ha legado un retrato exacto de la España de posguerra. También fotografió los sanfermines, un trabajo que publica en 1955 en el libro “Guerra de la Tristeza”, y que no se editó en España a causa de la censura.
Ahora el Centro Andaluz de la Fotografía y el Foro Cultural de Austria presentan en la Escuela de Artes de Almería la muestra “Danubio”, una colección integrada por 75 imágenes en blanco y negro, que reflejan el profundo interés que siempre mostró Ingel por la civilización que retrató.
El Danubio recorre los países de Europa central hasta desembocar en el Mar Negro. A su paso se han establecido culturas y comunidades muy diversas, como apreciamos en la exposición. Inge, cámara en mano, en un barco de vapor que surca las aguas azules y grisáceas de Austria, Alemania y Rumania, recorre algunas de sus tierras más fértiles. La historia da comienzo con el Danubio joven atravesando los montes Suabos y la controversia acerca de su nacimiento, que zanja, certificado en mano, María Hoch (una vecina de ese entorno) en la imagen “Furtwangen”. Al poco vemos el mercadillo ambulante de la ciudad alemana de Helheim, y a unos jóvenes (1954) que celebran el final del servicio militar obligatorio bajo la estatua de Bismarck. Luego viene la impresionante fotografía del legendario castillo de Sigmaringen, propiedad durante un tiempo de los condes de Hohenzollern, y que cobijó los restos del héroe medieval Rodrigo Díaz de Vivar, que habían sido profanados en 1808 en San Pedro de Cardeña.
De mediados de los años 50, dos obras a señalar serían “El salón de la liberación” y “La catedral de Ulm”. La primera reúne 34 estatuas de mármol de la Victoria -una para cada Estado Alemán- dispuestas en forma circular; sostienen 17 lápidas con inscripciones de las batallas libradas entre 1813-1815 en el transcurso de la guerra de liberación contra Napoleón. La segunda muestra una gárgola en la torre más alta de Europa, que pertenece a la Catedral de Ulm (Alemania), cuyo primer asentamiento se remonta a la Edad de Piedra.
Pero a Inge también le interesa la gente que vive junto al río, y gira su cámara hacia Edgar Liegel, fundador del cabaré de la Casa del Verdugo, al que parece conocer, como sucede con el genial cómico y artista Sigi Zínmmerschied, y otros personajes que vemos en la muestra.
El recorrido es largo y una voz femenina anuncia que el barco aun surcará colinas, bosques y valles antes de llegar a su destino, mientras Inge mira el alma de lo que retrata, motivo más que suficiente para no perderse esta gran exposición.